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西方人眼中的日本设计

娱乐物是时代潮流的风向标。近年来,与日本设计有关的佳作频出,也是日本设计成功输出的一种表现。事实上,自19世纪末以来,日本就通过优秀的设计作品和独特的设计理念,吸引、俘获了一大批热爱、研究日本设计的西方人——艺术专业的研究者,以及商人、建筑师、医生、记者等等。艺术评论家帕崔西亚·格拉汉姆的《日本设计:艺术、审美与学问》正是从西方人的角度对日本设计进行了归纳与总结。这里的“日本设计”,作为一个观念整体,包括建筑、器物、服饰、书画作品等各个层面的设计理念。格拉汉姆的研究始于纳尔逊—阿特金斯艺术博物馆(Nelson-Atkins Museum of Art)的日本艺术品。该博物馆是美国最著名的艺术博物馆之一,以丰富的亚洲艺术藏品而闻名。20世纪80年代中期至整个90年代,格拉汉姆为博物馆导览员以及公众做相关内容的讲解,并参与了日本展厅的重新布置和陈列工作,可以说,对这些艺术品的来龙去脉有深厚的理解。

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《日本设计:艺术、审美与学问》

[美]帕崔西亚·J.格拉汉姆 著,生活·读书·新知三联书店 2017-7

ISBN: 9787108058614

欣赏并接受一种异质学问,首先须对它有一个总体的把握,这构成了格拉汉姆关注的焦点,即辨析日本设计的审美趣味和学问背景。

格拉汉姆总结日本设计的审美特点,包括“渋い”“侘寂”“粹”“間”“雅与風流”“華麗”“傾く与婆娑羅”“濃淡”“琳派”“民艺”等。这些都成为当今最具代表性、使用最为广泛的日本美学及设计词汇,其中的多数词汇直到20世纪60年代才成为西方文献中的通用术语。编辑在讲述这些术语时,除了探究其本源,着眼点还在于这些词汇是如何传播的,尤其是在西方。比如侘寂。“侘”(wabi)与“寂”(sabi)这两个词与茶道有着深厚的渊源,茶道中“侘”所包含的意思通常被认为是源自禅宗思想里的“脱俗”“简素”“清净”“谦卑”,含有苍凉孤寂之意,也体现了对于自然的缺憾所带来的质朴之美的欣赏与体悟。“寂”最早出现在8世纪的《万叶集》中,用来表达一种对于精美的事物随着岁月的变迁而逝去的感伤之情。到了11世纪,出现了另外一个形容这种情绪的词,即“物哀”。

西方人对“侘寂”的迷恋始于日本茶道大家冈仓天心,他撰写的《茶之书》赋予茶道以禅之味。这本书中并没有出现“侘寂”一词,但却为这种日式特有的审美趣味做了一个铺垫。后来者铃木大拙和日本民艺运动领导人柳宗悦都将这一概念发扬,并将这种审美趣味命名为“侘寂”。柳宗悦还进一步将“侘寂”与另一个美学词汇“渋い”同等看待。“渋い”,字面意思就是涩之美,为简素、洗练之意。

“侘寂”一词在美国全面传播开来,还有赖于美国媒体人伊丽莎白·戈登(Elizabeth Gordon)。她于1941年至1964年间担任著名的《美丽家居》(House Beautiful)杂志的主编。作为一名编辑,戈登希翼这本面向时尚人士的杂志,不仅仅呈现时尚潮流,更要切实地引领人们将潮流融于生活。戈登曾去日本拜访柳宗悦,受其影响,她制作了关于“渋い”的特刊,使得“侘寂”和“渋い”这两个词在大众中得到了进一步普及。当然,设计潮流无非是生活方式的一种反映。彼时,二战后的美式生活形态正遭诟病,经济学家约翰·肯尼思·加尔布雷思(John Kenneth Galbraith)在其名著《富足社会》(The Affluent Society)中就曾针对战后美国式富足提出了批评。戈登所提倡的这种日式审美趣味正好迎合了社会新动向。此后,设计与美学顾问李欧纳·科仁(Leonard Koren)于1994年娱乐了《侘与寂:给艺术家、设计师、诗人以及哲学家》(Wabi-Sabi: for Artists, Designers, Poets and Philosophers)一书,对比了日本与西方在审美倾向上的差异,也使“侘寂”的概念得到广泛传播。“侘寂”成为矫正挥霍生活的一种利器,成了各个领域的设计师,包括一些豪侈品生产商所追逐的准则。现在,几乎任何简约而富于暗示性的事物,任何以质感朴素、古旧、自然的材料做成的产品都会被冠以“侘寂”的概念。

格拉汉姆意识到,日本设计尽管风格各异,但在审美原则上却有着很强的辨识度,例如茶道美学在极其广泛的层面上对日本社会产生了重要的影响,这种美学特质覆盖了民间工艺(茶器)、建筑(茶寮),乃至服饰、生活方式等各个方面。格拉汉姆进一步探究日本设计背后的学问特质,例如日本的宗教观。佛教是日本人崇尚的宗教之一,佛家的无常论对“物哀”的审美趣味就有着直接的影响。日本的艺术家精于描绘季节性很强的自然景物,例如樱花;也热衷于描绘年轻女子的容颜,从而抒发对时光流逝的感怀,这就是浮世绘。日本本土的神道教,它对日本审美趣味的影响也是显而易见的。神道教主张多神泛灵论,敬畏自然,也因此,大家能在很多日本视觉艺术中看到自然的元素,诠释着四季更迭之美。

格拉汉姆还在书中大量引用了19世纪以来西方有关日本设计的文献资料,重点关注西方人是如何认识、传播日本设计的。美国人于1854年强行打开日本国门,自此以后,日本的艺术和手工艺品就被西方人广泛收藏,并对西方各领域的艺术家、手艺人和设计师产生了影响,这波浪潮一直延续到二战结束后的头几年。这些艺术品催生了艺术与工艺美术运动及新艺术运动。这一源自日本的设计风格在法语中被称作“日本主义”(Japonisme),由法国艺术评论家、收藏家菲利普·比尔蒂创造。他正是格拉汉姆考察的28位与日本设计有关的人物之一。这些人物活跃的时间跨度从19世纪30年代至20世纪50年代,正是他们将日本的审美和设计理念先容到了西方世界。

格拉汉姆认为,虽然这28位西方人欣赏的艺术类型十分相似,但他们所写的东西却“反映出各自不同的兴趣、关注的重点与观点,因而对日本学问和艺术的看法也呈现出多元的面貌”。例如,19世纪末美国艺术教育家约翰•韦斯利•道,他很推崇歌川广重和葛饰北斋的风景版画,开始尝试木版画创作,并成为第一位完善木版画刷版技术的美国艺术家。再如被西方世界视为“日本研究之父”的德国人菲利普·弗朗茨·冯·西博尔德。他其实是一名热衷于日本艺术的医生,拥有超过五千件日本艺术藏品,它们后来成为荷兰国立民族学博物馆(Museum Volkenkunde)的主要内容。更有因为热爱日本学问而加入日本国籍的希腊人拉夫卡迪奥·赫恩,他的日文名为“小泉八云”。小泉八云写了大量书籍和文章,向西方读者先容日本人的日常生活和习俗,其中的一系列文章发表在《大西洋月刊》等杂志上,这些文字增进了西方人对日本人精神世界的了解。

正如格拉汉姆在前言中所述,关于日本设计的历史、艺术风格的沿革和个体艺术家的风貌,并非本书的重点。她着意于第三者的视角,对日本设计做一些补充性的先容,却“意外”地切中肯綮,提供了对日式审美和日本学问的另一种理解之道。

责任编辑:袁思源
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